ESPECIAL
El próximo 8 de mayo conoceremos al ganador del Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea – Premio Mies van der Rohe 2015. Hasta el momento, ya conocemos a los cinco finalistas, donde predominan los proyectos culturales nuevamente; en los últimos años los museos y recintos en este rubro han sido atractivos para el jurado.
Los finalistas son el Museo de arte de Ravensburg, Museo marítimo danés y Filarmónica de Szczecin; a los que se suman el Centro de estudiantes Saw Swee Hock y la Bodega Antinori. Y aunque nuestros preferidos siempre serán los residenciales, la obra pública va dando lugar a ejecuciones no sólo de excelencia constructiva sino también van gestando un modelo para la ciudad sostenible inteligente, que contribuyen a una economía europea sostenible, acorde con los motivos del premio.
Luego de una primera selección de 420 obras nominadas, en la segunda etapa de esta Bienal se eligieron 40 proyectos, de los que cabe señalar el 40% fueron edificios culturales, tal como lo señala la propia fundación: Las obras seleccionadas son 16 Culturales, 4 Educativas, 3 de Uso Mixto, 3 Religiosas, 3 Urbanas, 2 Comerciales, 2 Hoteles, 2 Edificios de Viviendas, 1 Funerario, 1 de Paisaje, 1 Vivienda Unifamiliar, 1 de Servicios Sociales y 1 Deportivo.
En cuanto a su emplazamiento, Copenhague, Berlín y Rotterdam son las ciudades donde más obras seleccionadas han sido construidas. Las otras obras están localizadas en Alemania, Austria, Bélgica, Dinamarca, España, Francia, Grecia, Irlanda, Islandia, Italia, Países Bajos, Polonia, Portugal, Rumania, Suecia, Turquía y Reino Unido.
Los cinco finalistas son:
Museo de arte de Ravensburg, Ravensburg, DE
- Nombre de la obra: KunstmuseumRavensburg, Ravensburg, DE
- Oficina: LedererRagnarsdóttirOei
- Autores: ArnoLederer(IC), JórunnRagnarsdóttir y Marc Oei(DE)
- Fotografía: © Roland Halbe
Antiguo y aún nuevo, esa la idea para el nuevo museo de arte en Ravensburg, que se encuentra en la parte antigua y de gran valor histórico de la ciudad.
Se formó una estructura con fachadas de ladrillo en gran parte cerrada, en aras de una protección óptima para las obras de arte. Mediante el uso de ladrillo reciclado creamos una conexión entre los edificios antiguos y la nueva construcción. En este contexto, se puso especial atención en el uso de materiales de construcción reciclados como parte de un enfoque sostenible. Esto resulta en la estructura autoportante de la bóveda del techo. El edificio es de los primeros museos jamás construido en un estándar de casa pasiva.
Para exhibir el arte moderno que constituye la base de la Pedro y Gudrun Selinka Collection, se han creado espacios con un fuerte sentido estructural, con aberturas de las ventanas sólo en lugares seleccionados. La corporeidad de esta arquitectura es especialmente evidente en las cúpulas abovedadas de ladrillo en el nivel superior.
La inserción de arquitectura en el extremo sur del casco antiguo de Ravensburg es sólo perceptible en un segundo vistazo. Es un museo de arte que, a través de impresionantes métodos artesanales, materiales familiares, hermosos momentos y un plano de planta que funcione bien, encaja armoniosa y discretamente en el contexto histórico de la ciudad. Esta integración se enfatiza como un importante punto de referencia para el diseño.
Tras la primera vista, el nuevo museo parece familiar. La integración del edificio en el tejido urbano y la materialidad del ladrillo reciclado son las fuentes de esta ambigüedad, que responde a las cualidades especiales de esta ubicación central. El concepto espacial sencillo -un patio de entrada rectangular y espacios neutrales de exposición que están flanqueados por elementos de circulación en el medio- está cerrado con una carcasa exterior de ladrillos reciclados. El techo está construido como una estructura abovedada de cúpulas de ladrillo que abarcan toda la anchura del espacio.
Los ladrillos fueron recuperados de un monasterio derruido cerca de la frontera con Bélgica y a través de su reutilización, define el papel central de la sostenibilidad en la construcción. ¿Por qué se deben producir nuevos materiales, siempre que podemos reciclar los viejos que han demostrado durar siglos? Antiguo y aún nuevo - incluso en términos de sostenibilidad, el contraste es claro.
Conoce los otros cuatro proyectos a continuación
Museo marítimo danés, Helsingør, DK
- Nombre de la obra:
Oficina: BIG - BjarkeIngelsGroup
Authors: BjarkeIngels y David Zahle (DK)
El nuevo Museo Marítimo de Dinamarca es la culminación de una visión y un plan maestro de quince años para transformar el antiguo puerto naval de Elsinor que en tiempos pasados había tenido miles de empleados pero que pasó a tener tiempos difíciles.
En una extensión de 5000 m2, éste es un museo subterráneo que se ubica dentro y en torno a uno de los diques secos del puerto adyacente al castillo de Kronborg de Hamlet, por lo tanto el propio dique seco constituye la pieza central de la colección del museo. Debido a la condición de Patrimonio Mundial de la UNESCO del castillo de Kronborg, el museo, anteriormente situado dentro de las murallas de éste, fue desalojado con el fin de restaurar los interiores originales.
Se decidió que el programa de la exposición del museo debe ser alojado en el interior del dique seco al lado del castillo. Sería una lástima ahogar este fósil industrial en el programa de museo, o incluso para enterrarlo bajo fortificaciones en falso. El dilema era que la UNESCO exigió que nada se hiciera fuera de la tierra -para evitar molestar a la vista del castillo, pero al mismo tiempo el museo requería una declaración arquitectónica para atraer visitantes. Por lo tanto, BIG decidió trabajar el muelle de adentro hacia afuera en lugar de abrazarlo con el museo como un acto radical de conservación, envolviendo el museo alrededor del muelle existente como una dona.
Se aisló el viejo muelle frío y fugas. Proporcionó la luz del día en el museo, y compensando el nuevo muro que proporciona espacio suficiente para unirse a todo el museo en una nueva ubicación. Volviendo el museo en un espacio en lugar de un objeto, BIG podría combinar la necesidad de discreción con el deseo de atención: ser y no ser.
Una serie de tres puentes de dos niveles abarcan el dique seco, sirviendo como conectores en el ámbito urbano en la parte superior y como atajos para diferentes secciones del museo. Un puente zigzag pendiente que ocupa todo el dique seco llega a los visitantes a la entrada principal. Este puente crea una tensión dinámica entre lo viejo y lo nuevo ya que los visitantes descienden en el espacio del museo con vistas a los alrededores de castillo por encima y debajo de la tierra, mientras que la historia marítima de Dinamarca se desarrolla en un movimiento continuo.
Todos los pisos conectan espacios de exhibición con el auditorio, sala de clase, oficinas, cafetería y el piso del muelle dentro del museo al inclinarse suavemente, de modo que el visitante continuamente desciende más abajo del borde del agua para sumergirse en la tradición marítima danesa. Mediante la disposición de las galerías en un bucle continuo alrededor de las paredes del dique seco y salir del muelle abierto, el muelle 3000 m2 se convierte en la pieza central de la exposición. Los visitantes experimentan así el tamaño y la escala de la construcción naval convirtiéndolo en un nuevo escenario al aire libre para toda la comunidad.
Bodega Antinori, San Casciano Val di Pesa, Florencia, IT
- Oficina: ArcheaAssociati
Authors: Giovanni Polazzi, Laura Andreini, Marco Casamonti y Silvia Fabi(IT) - Fotos ©Pietro Savorelli y © Leonardo Finotti
El sitio está rodeado por las colinas únicas de Chianti, cubiertas de viñedos, a medio camino entre Florencia y Siena. Un cliente culto e iluminado ha hecho posible llevar a cabo, a través de la arquitectura, la mejora del paisaje y el entorno como expresión de la valencia cultural y social del lugar donde se produce el vino.
Por tanto, los aspectos funcionales se han convertido en una parte esencial de un itinerario de diseño que se centra en la geo-experimentación morfológica de un edificio entendido como la expresión más auténtica de una simbiosis deseada y fusión entre la cultura antrópico, el trabajo del hombre, su entorno de trabajo y el medio ambiente natural. La construcción física e intelectual de los pivotes de bodega en los lazos profundos y arraigados con la tierra, una relación que es tan intensa y sufrida (también en términos de inversión económica) como para que la imagen arquitectónica ocultarse y se mezclan en ella.
Por tanto, el objetivo del proyecto ha consistido en fusionar el edificio y el paisaje rural; el complejo industrial que parece ser una parte de este último gracias a la azotea, que se ha convertido en una parcela de tierra cultivada con vides, interrumpido, a lo largo de las curvas de nivel, por dos cortes horizontales que permiten que la luz en el interior y proporcionar a quienes en el interior el edificio con una vista del paisaje a través de la construcción imaginaria de un diorama.
La fachada, para usar una expresión típica de los edificios, por lo tanto, se extiende horizontalmente a lo largo de la pendiente natural, de ritmo por las hileras de vides que, junto con la tierra, forman su "cubierta de la azotea". Las aberturas o cortes discretamente revelan el interior subterráneo: las zonas de oficinas, organizados como un mirador por encima de la barricada, y las zonas donde se produce el vino se disponen a lo largo de la parte inferior, y las áreas de embotellado y almacenamiento a lo largo de la parte superior.
El corazón aislado de la bodega, donde el vino madura en barricas, transporta, con su oscuridad y la secuencia rítmica de las bóvedas de terracota, la dimensión sacra de un espacio que se oculta, no porque de cualquier deseo de mantenerlo fuera de la vista, pero para garantizar las condiciones termo-higrométricas ideales para la lenta maduración del producto. Una lectura de la sección de arquitectura del edificio revela que la disposición altimétrica sigue tanto el proceso de producción de las uvas que descienden (como por la gravedad) -desde el punto de llegada de los tanques de fermentación a la bóveda de cañón subterráneo- y el de los visitantes que en el ascenso contrario desde el aparcamiento a la bodega y los viñedos, a través de las áreas de producción y de visualización con la prensa, el área donde vinsanto se envejece, para finalmente llegar al restaurante y el piso que aloja el auditorio, el museo, la biblioteca, las áreas de cata de vinos y el punto de venta.
Las oficinas, las áreas administrativas y oficinas ejecutivas, ubicadas en el nivel superior, se paseaban por una secuencia de patio interior iluminado por agujeros circulares repartidos por todo el viñedo-techo.
Este sistema también sirve para dar luz a la casa de huéspedes y la vivienda del cuidador. Los materiales y tecnologías evocan la tradición local con sencillez, coherentemente expresar el tema de naturalidad estudiado, tanto en el uso de terracota y en la conveniencia de utilizar la energía producida naturalmente por la tierra para enfriar y aislar la bodega, creando las condiciones climáticas ideales para la producción de vino.
Filarmónica de Szczecin, Szczecin, PL
- Oficina: Barozzi / Veiga
Authors: Alberto Veiga(ES) y Fabrizio Barozzi(IT) - Fotos © Simon Menges
La nueva Sala Filarmónica de Szczecin se encuentra en el sitio histórico de la "Konzerthaus" y recompone una esquina urbana en un barrio cerca de la ciudad histórica. El edificio alberga una sala sinfónica para mil espectadores, una sala para música de cámara para 200 espectadores, un espacio multifuncional para exposiciones y conferencias, y un amplio hall de entrada. En su materialidad, el edificio se percibe como un elemento de luz: la fachada de cristal, iluminada desde el interior, permite diferentes percepciones. La austeridad exterior y la sencilla composición de los espacios de circulación interior contrastan con la expresividad de la sala principal y la sala de conciertos con su cubierta de pan de oro.
El edificio está configurado de forma sintética, pero al mismo tiempo el volumen complejo, que se resuelve a través de un paseo continuo, que conecta todas estas funciones a lo largo de un único camino público a través de todos los niveles del edificio. Externamente, como en la preexistencia adyacente, la verticalidad y la geometría de la cubierta prevalecen. Estas características identifican el Philharmonic Hall con su contexto que lo rodea.
La composición está definida por un anillo perimetral. Este elemento acoge principalmente los espacios de servicio. Por un lado, esto permite definir un gran espacio dentro del cuales gravitan la sala sinfónica y la sala de música de cámara, en la otra mano para dar forma a la relación del edificio con su entorno. La modulación de serie del techo representa el único otro elemento expresivo, que permite la integración de la construcción dentro del perfil urbano fragmentado de la ciudad.
La austeridad exterior y la sencilla composición de los espacios de circulación interior contrastan con la expresividad de la sala principal. De acuerdo con la tradición centroeuropea de las salas de conciertos clásicos, decoración se convierte en ornamento y función. La sala está compuesta a raíz de una sucesión de Fibonacci cuya fragmentación aumenta con la distancia de la escena, y da forma a un espacio ornamental que recuerda la tradición clásica a través de su cubierta de pan de oro.
Centro de estudiantes Saw Swee Hock, LSE, Londres, UK
- Oficina: O’Donnell + Tuomey(IE)
Authors: Sheila O'Donnell, John Tuomey y Willie Carey (IE) - Fotos © Dennis Gilbert
O'Donnell + Tuomey Arquitectos fueron seleccionados para el proyecto del Centro con un proyecto fresco presentado a través de un concurso internacional de diseño arquitectónico realizado en dos etapas en junio de 2009.
La propuesta era crear una Unión Estudiantil activa, utilizando todos los días arquitectura democrática, de inusual belleza útil, que nace de una comprensión del contexto.
La idea era traer instalaciones estudiantiles bajo un mismo techo. Un edificio multifuncional que incluye un local, pub, cafetería, medios de comunicación, capilla, oficinas, gimnasio, carreras, estudio de baile y espacios sociales. Se buscaba el "mejor edificio estudiante en el Reino Unido" y el diseño logrado por BREEAM es excepcional.
El sitio está ubicado en la confluencia de calles estrechas que caracterizan el campus del centro de la ciudad de LSE. La fachada frontal opera con respecto a la incidencia de luz y se adapta a las líneas de visión, que se ve desde las perspectivas de la esquina de la calle y hacer conexiones visuales entre la circulación interna y externa. La piel de ladrillo se corta a lo largo de líneas de plegado para formar grandes áreas de vidrio, enmarcando las vistas. El análisis del contexto ha influido en los principios de un diseño arquitectónico específico para el sitio.
El edificio está diseñado para encarnar el carácter dinámico de un contemporáneo Centro de Estudiantes. Las complejas geometrías del sitio proporcionan un punto de partida para una disposición animada de placas de piso irregular, cada una particular a su función. El espacio fluye libremente en planta y secciones de escaleras –a su vez crea lugares de encuentro de todos los niveles.
Londres es una ciudad de ladrillos. El edificio está revestido con ladrillos, con cada desplazamiento desde el siguiente en un patrón de trabajo abierto de ladrillo, creando luz moteada dentro y brillante como una linterna de celosía en la noche.
El edificio tiene la capacidad de adaptación de un almacén habitable, con suelos de madera sólidas. Vigas de acero o bloques de hormigón de crucería abarcan los grandes espacios. Columnas circulares de acero generan plantas de oficinas entre los grandes volúmenes y marcan el plan de piso abierto de la cafetería. No hay pasillos cerrados. Cada área de trabajo con vistas al mundo exterior. El sótano tiene luz natural de las ventanas del triforio.
